Cinq questions à Romesh Thavanathan de HEY ROSETTA!

Hey Rosetta! vient de la province glaciale de Terre-Neuve-et-Labrador, dans le nord-est du Canada. Ce groupe indie de six personnes est composé du fondateur Tim Baker à la guitare, au piano et au chant, de Josh Ward à la basse, d'Adam Hogan à la guitare solo, de Phil Maloney à la batterie, de Romesh Thavanathan au violoncelle et de Kinley Dowling au violon. Ils ont sorti trois albums : Plan Your Escape ( 2006), Into Your Lungs ( 2008) et Seeds l'année dernière .

Connu pour ses concerts énergiques, le groupe crée un son puissant et riche en incorporant le piano, le violon et le violoncelle au son garage rock traditionnel à quatre instruments. Le pilier de la section des cordes , c'est Romesh Thavanathan, qui est un vrai touche-à-tout et qui s'occupe en fait de quatre instruments : la guitare, les claviers et les percussions. En fait, c'est plutôt cinq, vu qu'il chante aussi. Thavanathan joue du violoncelle depuis qu'il a six ans et il a un diplôme en musique classique de l'université Memorial.

On a contacté Thavanathan chez lui à St. John's pour lui poser quelques questions.

GIK : Romesh, tu joues du violoncelle, du clavier, de la guitare et plein d'instruments à percussion. Quel est ton instrument préféré ?

RT : Ils ont tous leurs avantages, en fait. C'est le violoncelle que je joue depuis le plus longtemps et c'est probablement le seul instrument que je maîtrise à peu près, donc j'arrive mieux à exprimer mes émotions. Pour les claviers, je suis plutôt comme un gamin qui fait ses premiers pas. Je ne sais pas encore tout faire, mais ça développe un autre type de créativité où on peut juste bidouiller. Mais ce qui l'emporte sur tout ça, c'est de pouvoir monter le volume à fond et tout déchirer. Donc, pour répondre à ta question, je dirais la guitare.

GIK : Tes arrangements sont très riches et le violoncelle a une telle résonance. Comment enregistres-tu généralement le violoncelle ? Quelles techniques utilises-tu ?

RT : Évidemment, ça dépend beaucoup de la chanson et de l'arrangement. Mais en général, on essaie toujours d'enregistrer toute la section des cordes en même temps. C'est super dur de reproduire la communication et La dynamique de groupe d'une section qui bosse ensemble et se complète dans une situation d'overdub stricte, un à la fois. Pour le violoncelle, j'aime bien utiliser un micro à ruban à environ un mètre du corps pour avoir un son plus rond et plus doux, puis, selon la pièce ou la chanson, je mets des micros d'ambiance pour créer la largeur et la profondeur qu'il faut, que ce soit avec une paire x-y ou un micro mono écrasé. Expérimenter avec le réamplification de la section des cordes donne toujours des sons sympas à mixer en parallèle ou même à utiliser tels quels. Les pédales de guitare sont vos amies !

GIK : Tony Doogan est un producteur intéressant qui a bossé avec plein de groupes et de sons différents. Comment s'est passée ta collaboration avec lui ?

RT : C'est justement cette diversité qui nous a poussés à lui demander de bosser avec nous. On a tendance à couvrir beaucoup de terrain sur nos albums en termes de sonorités et de styles, donc bosser avec quelqu'un qui avait accès à tous ces sons était une condition sine qua non. Tony était un vrai magicien en matière d'ingénierie. Certains des sons de batterie qu'il a tirés étaient vraiment inspirants. C'était un vrai plaisir de pouvoir observer quelqu'un manipuler une batterie et son environnement.

GIK : Tu es en train de monter un studio chez toi et de bosser sur des projets solo. C'est quoi le plus important dans ton processus d'enregistrement / d'écriture ?

RT : Hmmm... Je pense que le plus important, c'est d'être dans le bon état d'esprit et de trouver comment y rester. Je trouve que j'ai encore du mal avec ça, parce qu'il est facile de se laisser absorber par l'enregistrement et l'aspect technique et de sortir de l'espace créatif dans lequel on se trouvait. L'idée d'écrire, de suivre ses idées et de laisser cet aspect s'exprimer est un état d'esprit qui ne devrait pas être interrompu. Une fois que ce processus a suivi son cours, on peut revenir en arrière et bricoler les sons une fois que la structure est en place. Ces sons peuvent alors t'inspirer pour la prochaine phase d'écriture, et tu répètes le cycle. C'est un peu un exercice d'équilibre/de jonglage, mais je pense que c'est vraiment une bonne idée pour un auteur solo. Pour que ce système fonctionne, il est essentiel de s'assurer que ton espace d'enregistrement est préparé et organisé de manière à pouvoir noter tes idées rapidement et efficacement. Je pense que l'ergonomie n'est pas suffisamment prise en compte dans l'aménagement des studios.

GIK : Comment GIK Acoustics t'a aidé pour ton home studio ?

RT : Eh bien, ma pièce est encore en travaux, mais les 6 Tri-Trap Corner Bass Traps© que j'ai installés il y a environ six mois ont vraiment changé le son de la pièce. Il n'y a plus d'empreinte sonore incontrôlable dans la pièce. Avant, je ne me sentais jamais à l'aise pour tout enregistrer dans un seul espace, car le fait d'empiler des pistes enregistrées dans le même espace résonnant causait toutes sortes de problèmes lors du mixage, mais je n'ai plus cette crainte. Le Les traitements m'ont même aidé à garder mon rythme de travail, car je n'ai plus besoin de chercher « l'endroit idéal » dans la pièce où tes amplis réagissent et restituent le son comme tu le veux. Je suis beaucoup plus sûr que le son que j'entends est vraiment celui que j'entends, et j'ai vraiment hâte de passer aux étapes suivantes pour créer un environnement de mixage auquel je peux vraiment faire confiance. Dans un petit studio à domicile où l'acoustique n'a pas été prise en compte lors de la construction de la pièce, les traitements sont absolument nécessaires. Maîtriser l'acoustique de votre pièce est vraiment une évidence.

GIK : Quels conseils donneriez-vous aux artistes, compositeurs ou musiciens classiques en herbe ?

RT : Amusez-vous toujours, mais assurez-vous d'y consacrer du temps. Rien ne remplace le travail et l'expérience longs, difficiles, ardu, souvent dépréciatifs, parfois déprimants, mais finalement gratifiants, lorsqu'il s'agit d'écrire des chansons, de se produire sur scène ou d'enregistrer. Jouez et composez autant que vous le pouvez, vous corrigerez rapidement vos erreurs et vous vous retrouverez sur la bonne voie. En fait, je vais vous laisser sur une excellente citation d'Ira Glass, car il l'exprime mieux que je ne pourrais le faire.

« Personne ne dit ça aux débutants, j'aurais aimé que quelqu'un me le dise. Tous ceux qui font un boulot créatif s'y lancent parce qu'ils ont bon goût. Mais il y a un écart. Les deux premières années où tu crées des trucs, ce n'est tout simplement pas très bon. Tu essaies de faire du bon boulot, il y a du potentiel, mais ce n'est pas encore ça. Mais ton goût, ce qui t'a poussé à te lancer, est toujours excellent. Et c'est ton goût qui fait que ton travail te déçoit. Beaucoup de gens ne dépassent jamais cette phase et abandonnent. La plupart des gens que je connais qui font un travail créatif intéressant ont traversé des années comme ça. On sait que notre travail n'a pas cette chose spéciale qu'on aimerait qu'il ait. On passe tous par là. Et si tu débutes ou si tu es encore dans cette phase, tu dois savoir que c'est normal et que la chose la plus importante que tu puisses faire, c'est de travailler beaucoup. Fixez-vous une date limite pour finir une histoire chaque semaine. C'est seulement en bossant beaucoup que vous comblerez ce fossé et que votre travail sera à la hauteur de vos ambitions. J'ai mis plus de temps que n'importe qui d'autre à comprendre comment faire ça. Ça va prendre du temps. C'est normal que ça prenne du temps. Vous devez juste vous battre pour y arriver. »
― Ira Glass

Hey Rosetta! va jouer au Lollapalooza 2013 à Chicago. Tu peux écouter le dernier single du groupe, « Carry Me Home », tiré de l'EP de Noël de Hey Rosetta!, A Cup of Kindness Yet. Pour connaître les dates de la tournée et avoir plus d'infos, va sur leur site web : www.heyrosetta.com