Entretien avec Bob Ebeling

Bob Ebeling a grandi dans les années 70 en apprenant à jouer de la batterie sur les disques des Beatles et d'ELO. Il s'est ensuite mis à la guitare, à l'orchestration, à l'ingénierie et à la production. En 1993, il a cofondé Ebeling Hughes, un groupe psychédélique expérimental qui continue aujourd'hui encore à cracher du feu. En 1997, il a cofondé les Rustbelt Studios de Detroit, qui sont toujours un haut lieu du rock'n'roll dans le Midwest. Son talent musical s'est répandu et il a rapidement accumulé les crédits d'albums, notamment avec Rufus Wainwright, Eminem, Remy Zero, Dead Meadow et d'autres. En 2002, il a formé Downtown, un pseudo-groupe pour lancer son narco-rock moderne plus sombre. Ça l'a amené en Angleterre où il a coproduit son premier album avec Flood et Alan Moulder, tandis qu'aux États-Unis, il a peaufiné son matériel avec Paul Logus. Vivant à New York pendant 5 ans, il a continué à bosser comme ingénieur et mixeur indépendant. En 2007, il s'est installé en Virginie où il a ouvert les Revolution Studios, dont le nom vient de la proximité des champs de bataille historiques de Yorktown. Amoureux du matériel et des sons vintage, Bob est un maître du studio et des sons cool. Les batteries sont rétro, les guitares sont saturées et amplifiées par un Supro, les orchestrations symphoniques à la Mellotron, les voix vintage puissantes, les manipulations électroniques habiles et la compression à lampes ne sont que quelques-unes de ses spécialités. Aussi à l'aise pour écrire des mélodies surnaturelles que pour empiler des voix avec le prochain grand nom du hip-hop, Ebeling est une sorte de magicien... un magicien de la musique. S'il jetait un sort, celui-ci résonnerait sûrement à travers le temps.

Glenn Kuras, fondateur de GIK Acoustics, s'est entretenu avec Bob Ebeling en 2009 pour connaître son point de vue sur l'enregistrement et l'industrie musicale.

Glenn : Tu as occupé plein de postes dans l'industrie musicale, qu'est-ce que tu fais maintenant ?

Bob : Oui, ça a été un parcours intéressant et un exercice d'équilibre. Je pense que l'équilibre est quelque chose qu'on apprend à maîtriser avec le temps, dans tous les domaines. J'ai commencé comme ingénieur multi-instrumentiste, co-auteur et producteur. C'était très stressant d'essayer de régler les sons de batterie avec un guitariste qui jouait de la batterie pour la première fois de sa vie. Essayer de mixer alors que votre cerveau d'auteur est encore en ébullition. Je pense que j'ai connu des hauts et des bas à cause de ça. Quand mon envie d'écrire devenait trop forte, je devais mettre des limites. Maintenant, j'ai trouvé de bien meilleures façons d'équilibrer tous les rôles et de privilégier ma santé mentale. J'essaie vraiment de me concentrer sur un seul rôle à la fois, et si je me sens à l'aise, je peux m'étendre un peu.

Glenn : Parle-moi du nouveau studio.

Bob : Pour l'instant, c'est une belle salle de contrôle, parce que je passe 75 % de mon temps à mixer ou à corriger, et une grande cabine d'enregistrement pour les voix. L'accent est mis sur un super équipement et la possibilité de faire le même boulot qu'à Chung King, mais sans avoir à payer un crédit pour la SSL. C'est une suite Pro Tools bien équipée. Des micros vocaux, des préamplis et des compresseurs de choix : tout ce qui se trouve à l'avant est orienté vers les voix, avec un mixage et un égaliseur de bus de mixage de choix. Je suis bien placé pour les artistes qui ont besoin de finir leurs albums. Beaucoup de gens prennent Ils s'en chargent eux-mêmes maintenant, mais quand ils arrivent à un certain point, ils sont coincés. C'est un endroit sympa pour eux pour finir ce qu'ils ont commencé, obtenir la même qualité qu'ils auraient dans une salle de la taille de la Bobrge, mais sans se ruiner.

Glenn : Quel équipement est essentiel pour toi ?

Bob : Je le vois toujours comme une chaîne. Un micro génial, un préampli génial, un bon compresseur, une excellente conversion, puis ProTools. Gardez 3 ou 4 chaînes géniales en marche tout le temps. C'est ce qui fait la différence et permet d'offrir de meilleurs tarifs aux clients qui n'ont pas besoin d'un Neve à 40 canaux. 90 % du temps, vous n'utilisez qu'un ou deux canaux. Éliminez les frais généraux de l'équation. J'utilise encore beaucoup de matériel analogique et je mixe avec un Massive Passive et un Smart C1, et je fais tout de la même manière, mais dans un espace plus petit. J'ai toujours travaillé comme ça. Les grands studios sont parfaits pour enregistrer la batterie ou le groupe, mais l'essentiel dans la production d'un album, c'est l'overdubbing avec les différents musiciens, le montage des voix et le mixage. En tant qu'artiste, il est essentiel de gérer son budget dans les moindres détails pour survivre.

Glenn : Alors, pourquoi la Virginie maintenant ?

Bob: Je ne suis pas venu ici avec l'intention d'ouvrir un studio, mais ça m'a semblé logique une fois que j'ai compris comment ça marchait ici. Il y a plein d'artistes ici, plein de talents bruts, donc c'était plutôt logique et nécessaire en fait. C'est là que tes pièges entrent en jeu, ils ont vraiment fait une énorme différence dans ce nouveau studio. Tes pièges de basses ont fait des miracles ici...

Glenn : Merci Bob, mais ce n'est pas comme si on avait inventé le concept...

Bob : Ouais, mais vous l'avez rendue abordable, tu vois ? Je veux dire, ça fait des années que je me penche sur la question et avant de vous trouver, c'était toujours une question d'argent. Il y a quelques années, pour bien traiter une petite salle de contrôle, il fallait compter environ 5 000 dollars. C'est dur de se décider à investir dans des trucs qui n'ont pas d'effet direct sur le signal. C'est facile d'acheter des micros, des préamplis, des compresseurs et des plug-ins, parce que ça change le son électroniquement. C'est pas si facile de penser en termes d'acoustique, surtout de réaliser à quel point ton environnement d'écoute influence tout ce que tu fais. Le prix est donc un facteur de motivation important.

Glenn : Et tu as mentionné tes moniteurs...

Bob : Oui, les Focal Solo6, et le Lavry DA10 en fait aussi partie. J'ai longtemps utilisé des Mackies et des convertisseurs Digidesign, pensant que ça allait. Quand j'ai emménagé dans mon nouvel espace, j'ai vite compris que j'avais un problème. Il n'est pas très grand et mon premier boulot a été de mixer un EP pour un groupe alternatif new-yorkais, Frankopolis. J'avais enregistré ces morceaux dans une super salle Neve que je connaissais bien, donc je savais ce que je devais entendre. J'ai essayé de mixer et j'entendais physiquement le point de confusion. J'ai donc acheté de nouveaux convertisseurs et moniteurs, et c'était mieux, nettement mieux en général, mais le point de confusion était toujours là dans la pièce, c'était la pièce. La prochaine étape était donc de corriger la pièce. C'est là que j'ai découvert vos bass traps 244 et Monster Bass Traps.

Glenn : Quelle différence ça a fait dans ta pièce ?

Bob : Eh bien, avant les pièges, j'étais sur le point d'acheter le Focal Sub parce que les moniteurs, qui sont petits, ne faisaient pas l'affaire. Ils prétendaient être plats jusqu'à 45 ou 40 hertz, mais je n'entendais que jusqu'à 75 peut-être. Mais si j'écoutais depuis les coins avant de la pièce, je n'entendais rien d'autre qu'un grave percutant. J'ai donc installé les pièges et c'était tout simplement incroyable. Je veux dire, quand tu achètes les pièges, ils sont... Ils sont super bien faits et ont l'air sympa dans la pièce, mais avant de voir ce qu'ils pouvaient faire, j'étais un peu sceptique.

Je les ai donc installés et j'ai écouté quelques mixages et mes morceaux préférés, et j'ai eu un grand sourire. La pièce s'est comme aplatie et les moniteurs étaient vraiment plats jusqu'à 45 hertz. Le punch est revenu dans le sweet spot, qui s'est élargi, et l'image sonore a gagné en profondeur et en détails. C'est plus agréable à écouter et à mixer. Tout est devenu plus agréable et moins frustrant.

Glenn : Comment est la Virginie par rapport à New York ?

Bob : À New York, il faut se spécialiser. Je suis doué pour choisir les micros et travailler les voix, c'est donc le rôle que j'ai joué là-bas. En Virginie, il faut être plus polyvalent et flexible. Il y a tellement plus d'établissements à New York. On a affaire à des gens qui sont déjà bien implantés dans le milieu et qui ont certaines attentes. Ici, je travaille avec de nouveaux artistes en phase de développement. C'est une scène jeune, avec des talents et une énergie inexploités, il y a beaucoup de possibilités. C'est agréable de venir ici après avoir quitté le pays des blasés. Il y a plusieurs grandes villes très proches les unes des autres ici. Newport News, Hampton, Norfolk, Williamsburg, Virginia Beach, toutes à moins de 45 minutes en réalité. Je reçois des contrats de mixage et de réparation ici, et parfois des artistes viennent de loin. Cette région est aussi une extension d'Atlanta, qui est maintenant au même niveau que les trois grandes villes (New York, Los Angeles, Nashville).

Glenn : Avec plus de 20 ans d'expérience dans le domaine de l'enregistrement, quels sont les changements les plus importants que tu as observés dans le secteur commercial ?

Bob : Quand j'ai commencé dans les années 90, c'était encore le modèle traditionnel avec de gros contrats, de grandes maisons d'édition et de grands studios. Je bossais avec des groupes sur 4 ou 5 chansons, puis on prenait l'avion pour Los Angeles, on faisait une démo et on décrochait un contrat à sept chiffres. Même mon propre groupe psychédélique a signé avec une mini-major. Il se passait beaucoup de choses quand on travaillait dans un grand studio. Puis l'internet et le mp3 ont fait leur apparition, et pendant un certain temps, j'ai été épargné par ce phénomène, ayant déménagé à New York. En tant qu'ingénieur indépendant, je passais d'un studio à l'autre, comme Loho et Chung King, et je prenais tous les travaux qui se présentaient. Puis le crash a commencé et les studios ont fermé les uns après les autres, comme des dominos. À cette époque, en 2004, j'étais revenu au rôle d'artiste et j'avais quitté le monde des affaires, mais il semblait qu'en 2006, toute l'industrie était en chute libre. Tout ça, c'est ce que j'ai retenu, mais l'évolution a été le home studio. J'ai mon propre studio depuis 20 ans. À l'époque, c'était un sacré défi d'atteindre la qualité et les options qui sont aujourd'hui si bon marché et faciles à obtenir.

Ce qui a vraiment changé pour moi, c'est le moment où je m'implique. Avant, je partais de zéro, mais maintenant, c'est presque toujours le client qui fait son propre enregistrement, puis m'apporte le matériel à mixer ou à améliorer. La grande différence, c'est qu'il y a maintenant un million de petits studios. Tout le monde a son propre petit studio. C'est pour ça que l'acoustique de la pièce est si importante. Ça va faire la différence entre ton studio et les cinquante autres studios de ton quartier.

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