Cinco preguntas para Romesh Thavanathan, de HEY ROSETTA!

Hey Rosetta! proviene de la gélida provincia de Terranova y Labrador, en el noreste de Canadá. Este grupo indie de seis miembros está formado por su fundador, Tim Baker, a la guitarra, el piano y la voz; Josh Ward al bajo; Adam Hogan a la guitarra solista; Phil Maloney a la batería; Romesh Thavanathan al violonchelo; y Kinley Dowling al violín. Han publicado tres discos: Plan Your Escape (2006), Into Your Lungs (2008) y Seeds , del año pasado .

Conocida por sus enérgicos conciertos en directo, la banda crea un sonido imponente y con muchas capas al incorporar el piano, el violín y el violonchelo al sonido tradicional del rock de garaje de cuatro miembros. La clave de la sección de cuerdas es el todoterreno Romesh Thavanathan, que en realidad desempeña cuatro funciones: guitarra, teclados y percusión. O mejor dicho, cinco, ya que también canta. Thavanathan toca el violonchelo desde los seis años y se licenció en música clásica por la Memorial University.

Nos pusimos en contacto con Thavanathan en su casa de St. John’s para hacerle unas cuantas preguntas.

GIK: Romesh, tocas el violonchelo, los teclados, la guitarra y un montón de instrumentos de percusión. ¿Cuál es tu instrumento favorito?

RT: La verdad es que todos tienen sus ventajas. Llevo más tiempo tocando el violonchelo y probablemente sea el único en el que tengo un mínimo de competencia, así que tengo mucha más facilidad para transmitir emociones. En cuanto a los teclados, soy más bien como un niño dando sus primeros pasos. No sé manejarlos del todo bien, pero eso da pie a un tipo diferente de creatividad en la que simplemente te dedicas a trastear. Pero lo que supera a todo esto es poder subir el volumen del amplificador al máximo y simplemente destrozar el mundo. Así que supongo que, para responder a tu pregunta, tendría que elegir la guitarra.

GIK: Tus arreglos tienen muchas capas y el violonchelo tiene un cuerpo tan resonante... ¿Cómo sueles grabar el violonchelo? ¿Qué tipo de técnicas utilizas?

RT: Obviamente, depende bastante de la canción y del arreglo. En general, sin embargo, siempre intentamos grabar toda la sección de cuerdas al mismo tiempo. Es tremendamente difícil reproducir la comunicación y La dinámica de grupo de una sección que trabaja en conjunto y se complementa en una situación de sobregrabación estricta, en la que cada uno graba por separado. Para el violonchelo, personalmente me gusta usar un micrófono de cinta a unos 90-120 cm del cuerpo para conseguir un sonido cercano, redondo y suave; y luego, dependiendo de la sala o la canción, colocar micrófonos de ambiente para crear la amplitud y profundidad que necesites, ya sea con un par X-Y o con un solo micrófono mono a volumen alto. Experimentar con el re-amping de la sección de cuerdas siempre acaba dando tonos divertidos para mezclar en paralelo o incluso usar tal cual. ¡Los pedales de guitarra son tus aliados!

GIK: Tony Doogan es un productor interesante y ha trabajado con una gran variedad de bandas y sonidos. ¿Cómo fue trabajar con él?

RT: Fue precisamente esa diversidad lo que nos llevó a pedirle que trabajara con nosotros. En nuestros discos solemos abarcar mucho terreno en cuanto a sonidos y estilos, así que trabajar con alguien que tuviera acceso a todos esos sonidos era un requisito imprescindible. Tony era todo un mago en lo que respecta a la parte de la ingeniería. Algunos de los sonidos de batería que sacó fueron realmente inspiradores. Poder observar a alguien manipulando una batería y su entorno fue un auténtico placer.

GIK: Estás montando un estudio casero y trabajando en proyectos en solitario. ¿Cuál es la parte más importante de tu proceso de grabación y composición?

RT: Mmm… Supongo que lo más importante sería entrar en el estado mental adecuado y saber cómo mantenerte ahí. Me cuesta bastante porque es fácil dejarse llevar por la parte de la grabación y la ingeniería y salir del espacio creativo en el que te encontrabas. La idea de componer, seguir las ideas y dejar que ese lado fluya es un estado mental que no debería interrumpirse. Luego, una vez que ese proceso ha seguido su curso, puedes volver atrás y retocar los sonidos cuando el esqueleto ya se sostiene por sí solo. Esos sonidos pueden ayudar a inspirar la siguiente ronda de composición y así se repite el ciclo. Es un poco como hacer malabares, pero creo que es sin duda una decisión acertada para quien compone en solitario. Asegurarte de que tu espacio de grabación está preparado y organizado para plasmar tus ideas de forma rápida y eficiente es la clave para que este sistema funcione. No creo que se tenga lo suficientemente en cuenta la ergonomía a la hora de montar un estudio.

GIK: ¿Cómo te ha ayudado GIK Acoustics con tu estudio casero?

RT: Bueno, mi sala aún está en proceso de mejora, pero las 6 Tri-Trap Corner Bass Traps© que tengo instaladas desde hace unos seis meses han marcado una diferencia significativa en el sonido de la sala. Ya no hay una impronta sonora incontrolable en la sala. Nunca antes me había sentido cómodo grabando todo en un mismo espacio, ya que apilar pistas grabadas en un espacio con tanta reverberación causa todo tipo de problemas en la mezcla, pero ya no me preocupa eso. El Estos tratamientos incluso me han ayudado a mantener la fluidez en la grabación, ya que no tengo que buscar «ese punto concreto» de la sala donde los amplificadores respondan y reproduzcan el sonido tal y como quieres. Hay mucha más confianza al reproducir el sonido, ya que sabes que lo que oyes es realmente lo que estás grabando, y tengo muchas ganas de dar los siguientes pasos para crear un entorno de mezcla en el que pueda confiar de verdad. En un pequeño estudio casero donde la acústica ni siquiera se tuvo en cuenta en la construcción de la sala, los tratamientos son absolutamente necesarios. Controlar la acústica de tu sala es realmente pan comido.

GIK: ¿Qué tipo de consejos o sugerencias darías a los artistas, compositores o músicos clásicos que están empezando?

RT: Disfruta siempre, pero asegúrate de dedicarle tiempo. No hay nada comparable al trabajo y la experiencia largos, duros, arduos, a menudo autocríticos, a veces deprimentes, pero en última instancia gratificantes, cuando se trata de componer, actuar o grabar. Simplemente toca y escribe todo lo que puedas y te quitarás los errores de encima desde el principio y te encontrarás en el buen camino. De hecho, te dejo con una gran cita de Ira Glass porque él lo dice mejor de lo que yo podría hacerlo.

«Nadie le dice esto a los principiantes, ojalá alguien me lo hubiera dicho a mí. Todos los que hacemos trabajo creativo nos metemos en esto porque tenemos buen gusto. Pero hay una brecha. Durante los primeros años en los que creas cosas, simplemente no son tan buenas. Intentan ser buenas, tienen potencial, pero no lo son. Sin embargo, tu gusto, lo que te metió en este mundo, sigue siendo increíble. Y tu gusto es la razón por la que tu trabajo te decepciona. Mucha gente nunca supera esta fase, lo dejan. La mayoría de la gente que conozco que hace un trabajo interesante y creativo pasó por años así. Sabemos que nuestro trabajo no tiene ese toque especial que queremos que tenga. Todos pasamos por esto. Y si acabas de empezar o todavía estás en esta fase, tienes que saber que es normal y que lo más importante que puedes hacer es trabajar mucho. Fíjate una fecha límite para terminar una historia cada semana. Solo trabajando mucho podrás cerrar esa brecha, y tu trabajo estará a la altura de tus ambiciones. Y a mí me llevó más tiempo que a nadie que haya conocido darme cuenta de cómo hacerlo. Va a llevar un tiempo. Es normal que lleve un tiempo. Solo tienes que abrirte camino a base de lucha».
― Ira Glass

Hey Rosetta! tocará en el Lollapalooza 2013 de Chicago. Puedes escuchar el último sencillo de la banda,«Carry Me Home», extraído del EP navideño de Hey Rosetta!, A Cup of Kindness Yet. Para conocer las fechas de la gira y obtener más información, visita su página web: www.heyrosetta.com